Donald Thompson, economista inglese, stratega in marketing, insegnante alla School of Business della York University di Toronto (Canada) ha dato alle stampe il suo secondo libro (“Bolle, baraonde e avidità“ Ed.Mondadori) che ora esce anche in Italia, dopo il successo editoriale de “Lo squalo da 12 milioni di dollari”, sul famoso squalo tigre in formalina, di Damien Hirst, venduto appunto a quella cifra.

In un’intervista ha risposto così alla domanda (“Le opere di Hirst resteranno?“) del giornalista: “Riparliamone fra quarant’anni“, riferendosi ai misteri del mercato più curioso del mondo e stimando così il lasso di tempo utile, e minimo, per sancire la sopravvivenza storica ed economica di un’opera d‘arte e del suo autore.

Thompson ricorda il motivo per cui molti chiedevano del perché alcuni artisti raggiungessero il top delle vendite, in quantità e valori esorbitanti, ed altri, magari altrettanto di talento, invece no. Domanda delle domande. Con moltissimi tentativi di risposta. Non sapeva rispondere; per cui per un anno ha studiato come funzionasse la cosa interrogando gli addetti ai lavori: artisti, collezionisti e galleristi. Il suo primo libro è diventato un best seller sulle strategie di promozione delle opere d’ arte, tradotto in 15 lingue. Facendo leva sulla curiosità di capire i meccanismi che portano certe e non altre opere a valutazioni stratosferiche, è arrivato alla conclusione che i prezzi dell’arte non hanno niente a che fare con la vita vera.

Se non con la vita vera, con cosa?

Con il desiderio dell’acquirente, fondamentalmente per tre ragioni.

Una nobile: ti piace, ti alzi al mattino e guardandola ti fa felice.

Una opportunistica: per investimento, controlli le quotazioni come per gli indici di azioni in borsa.

Una edonistica: per impressionare gli amici col tuo buon gusto e il tuo potere d’acquisto. Quest’ultima è la più determinante, perché garantisce prestigio sociale. Per esempio, se appendi in casa un dipinto tuttonero e dici “l’ho pagato mezzo milione di dollari “, la gente ride; se invece dici “è un Hirst che ho comprato ad un’asta da Sotheby’s” sarai un uomo raffinato e ricco. L’artista emergente viene consacrato dallo status economico dei suoi acquirenti, dalla presenza a fiere importanti e ad aste prestigiose. Le “Bolle“ del titolo si possono trasformare in successi duraturi o scoppiare nello spazio di pochi anni. Le “baraonde” di marketing devono essere sempre a supporto dell’artista e delle sue opere; ciò è costoso! Se non hanno risultati in tempi brevi l’effetto svanisce, le opere passano ad aste minori, il nome dell’autore sparisce dalle riviste.

Thompson afferma che, guardando i cataloghi d’aste di soli 20 anni prima, il 30% degli artisti è scomparso: se un gallerista di livello, dopo un paio di mostre consecutive non ottiene gli effetti desiderati, scarica l’autore. L’avidità è rischiosa! Ci si riferisce a beni di lusso, però un dipinto del periodo rosa di Picasso è rarissimo, difficilissimo da trovare ad un’asta e il suo valore è assodato. Viceversa per uno squalo, declinato in varie edizioni-rifacimento (e chissà quante altre ancora potrebbe farne Hirst) non si sa che destino avrà fra uno o due decenni. Quando Picasso esponeva, gli ammiratori si riferivano a tecnica, soggetti, talento. Ora si commenta il prezzo, in primis. La prerogativa dell’arte contemporanea non è di essere bella, ma di veicolare messaggi, toccare i sensi e magari sconvolgerli. Comunque non è la bellezza a stimolare il desiderio di un’opera, ma ottenere profitto consolidare il proprio status. Per fortuna il Nu couché di Modigliani, nel 2015, da Christie’s a New York, fu battuto a 170,4 milioni di dollari. Autore e dipinto sono assodati! Non a caso: è bellezza assoluta, che a questo punto, non ha prezzo.

Paolo Tagliapietra